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lunes, 13 de julio de 2009

Schröder House

Diseñada por Gerrit Rietveld para Truus Schröder en 1924, quien le encarga proyectar y construir una casa en las afueras de Utrecht. Como Rietveld, el cliente tuvo una gran influencia en el resultado. Para este edificio se plantea el trabajo en equipo: él es el responsable del diseño general y de los colores, y Schröder-Schrader de la planta abierta del piso alto la Casa Rietveld-Schröder fue el primer manifiesto arquitectónico del grupo De Stijl, universalmente reconocida como una de las primeras construcciones realmente modernistas en el mundo.

Concepto
Se trata de una casa entre medianeras que se integra al contexto a través del árbol del patio de la planta baja, las transparencias y los espacios fragmentados. El aspecto más notable de la casa Rietveld-Schröder es la independencia visual de sus partes, conseguida por la separación física de los planos; la utilización del color, que acentúa y determina la identidad de cada parte; el uso de los planos libres y la modulación de los planos horizontales y verticales. A ello se han de añadir las soluciones interiores, con espacios libres que pueden modificarse por medio de paneles movibles, y el mobiliario, perfectamente integrado, tratado como un elemento arquitectónico más. Consigue que el edificio sea un todo flexible, tanto en el exterior como en el interior Esta casa es la demostración de la madurez metodológica arquitectónica en consonancia con la poética neoplasticista de su autor.
Descripcion
Construida en acero, ladrillo y vidrio, es una composición asimétrica de planos horizontales y verticales que consigue al mismo tiempo el ideal de las relaciones equilibradas y puras preconizadas por Mondrian y dos de los objetivos fundamentales de la arquitectura moderna: la planta libre y la separación formal entre estructura y cerramientos. Rietveld intentó conseguir la continuidad espacial en su arquitectura permitiendo que los espacios se comunicasen entre sí y con el espacio infinito que rodea al edificio. Del mismo modo que los componentes de su mobiliario son formas planas y sencillas, sin perfiles elaborados, los elementos con los que construye su arquitectura tienen un carácter geométrico. La casa Rietveld-Schröder es, ante todo, una composición de planos y líneas puros. El esquema cromático basado en el rojo, el amarillo y el azul combinados con superficies acromáticas se utiliza de forma más eficaz en la casa Rietveld-Schröder que en ninguna de las otras obras posteriores de Rietveld. El interior de la casa es una consecuencia lógica del deseo de conseguir una síntesis entre pintura, arquitectura y diseño gráfico típico de finales del siglo XIX.
Rietveld vivió y trabajó toda su vida en la ciudad de Utrecht. Era empleado de 'De Stijl' (1917), el periódico que llevaba Theo van Doesburg, con artículos, entre otros, de Piet Mondrian. Rietveld se implicó más con De Stijl después de que el periódico publicara un dibujo de su mundialmente famosa silla roja y azul por entonces sin colores. Fué entonces, cuando bajo el patrocinio de la interiorista Mrs Truus Schröder-Schräder, se llevó a cabo el proyecto. Después de que su marido falleciera, buscaba un casa más pequeña para ella y sus tres hijos. Sus indicaciones, contribuyeron a mejorar notablemente en el resultado final del diseño de Rietveld.. Mrs Schröder vivió allí desde 1924 hasta su muerte en 1985. Rietveld tenía un estudio en la casa hasta el año 1933, y pasó los seis últimos años de su vida allí. El Museo Central de Utrecht se encarga actualmente de la casa Rietveld-Schröder.
La casa tiene dos niveles. El piso inferior se distribuye en el área de cocina /comedor/salón, una sala de lectura, un estudio que hasta 1933 Gerrit Rietveld usó como su oficina, el dormitorio del servicio, y un cuarto de almacenaje. Todas las zonas de descanso, estaban ubicadas en el piso superior. Los dormitorios estaban divididos con tabiques móviles, concepto usado a fin de que los niños tuvieran un espacio abierto para jugar durante el día y que posteriormente, durante la noche, se tranformara en espacio privado.

Mrs Schroder proporcionó a Rietveld una serie de criterios para el diseño de los dormitorios:
1. Una cama debe poder encajar en el cuarto en por lo menos 2 posiciones diferentes..
2. Cada cuarto debería tener desagüe y abastecimiento de agua directo.
3. Cada cuarto debería tener una puerta que le proporcionara acceso al exterior.

Gerrit Rietveld pudo cumplir todos los criterios y creó una obra maestra, prestando mucha atención a los detalles, incluido el color de la pintura en las paredes. Podría parecer un mural de Mondriaan, pero cada zona fué pintada de un cierto color por razones específicas. Por ejemplo, en la puerta hay una zona pintada de negro porque probablemente es el área más utilizada por los ocupantes y por lo tanto la mas susceptible de ser manchada.
Los comienzos de Gerrit Rietveld como diseñador de mobiliario, quedan patentes en muchos detalles de la casa. El diseño de las particiones portátiles, la pantalla de la ventana, la mesa de los niños y muchos más detalles demuestran su ingeniosidad. La localización de la casa, en su momento, era considerada como las cercanías de Utrecht, tiene una vista despejada. Rietveld diseñó la casa con eso en mente, con una ventana en el piso superior que abre la esquina de ese piso al exterior. Este mirador, fue uno de los lugares favoritos de la señora Schroder, hasta que construyeron una carretera delante de la casa.
La Casa Schröder es la casa-tesis del neoplasticismo. El modelo, la maqueta, entre el discurso pictórico de Mondrian y sus sueños de disolver el arte en la construcción de la ciudad. Un arte y una ciudad que se han liberado de la angustia, de la tragedia, en los que la forma y el color producen el equilibrio metafísico anhelado. No hay racionalismo, sino voluntad de forma, aspiración a un estilo, a pesar de su radicalismo. Es más, este juguete conceptual más parece un cuadro neoplástico que un edificio. Nace de un cuadrado, que Rietveld compone y recompone con colores y planos. Incluso el interior se articula de forma semejante, con accesorios, mobiliario y detalles que reproducen no el espíritu de su inquilino, como en el Art Nouveau, sino la promesa de una utopía, la del arte neoplástico.




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viernes, 10 de julio de 2009

Fallingwater House

La casa de la Cascada o casa Kaufmann (en inglés: Fallingwater) es la obra cumbre de Frank Lloyd Wright y una de los hitos principales de la arquitectura del siglo XX. Está situada en Bear Run, Pensilvania (Estados Unidos) y fue terminada en 1939. Frank Lloyd Wright (1876-1959) es considerado por algunos autores como el mejor arquitecto estadounidense, y a su vez, la "casa de la cascada" su obra maestra. Llamada «la residencia más famosa que se haya construido», la AIA (American Institute of Architects) la ha juzgado como «el mejor trabajo de un arquitecto estadounidense». Más info de la Fallingwater House.










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Farnsworth House

Estos son unos videos muy sencillos pero muy interesantes a la vez, que nos mestran en pocos minutos un esquema de como se construyó la famosa casa que Mies va der Rohe proyectó en Illinois. Construida en acero y vidrio, es una muestra más del amor de Mies por la sencillez arquitectónica y la perfección en los detalles constructivos. Más info de la Farnsworth House.
















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martes, 7 de julio de 2009

Casa Das Canoas

Oscar Ribeiro de Almeida Niemeyer Soares Filho (Río de Janeiro, Brasil, 15 de diciembre de 1907) es un arquitecto brasileño. Seguidor y gran promotor de las ideas de Le Corbusier, es considerado uno de los personajes más influyentes de la arquitectura moderna internacional. Fue pionero en la exploración de las posibilidades constructivas y plásticas del hormigón armado.

No es el ángulo recto que me atrae, ni la línea recta, dura, inflexible, creada por el hombre. Lo que me atrae es la curva libre y sensual, la curva que encuentro en las montañas de mi país, en el curso sinuoso de sus ríos, en las olas del mar, en el cuerpo de la mujer preferida. De curvas es hecho todo el universo, el universo curvo de Einstein. — Oscar Niemeyer.

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lunes, 6 de julio de 2009

Esherick House

Louis Isadore Kahn (su nombre original era Itze-Leib Schmuilowsky) (20 de febrero de 1901-17 de marzo de 1974) fue un renombrado arquitecto asentado en Filadelfia. Después de trabajar en varios estudios en esa ciudad, fundó el suyo propio en 1935. Al mismo tiempo que dirigía su estudio se dedicó también a la crítica del diseño y a la docencia en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Yale de 1947 a 1957. Desde este último año hasta su muerte fue profesor de Arquitectura en la Escuela de Diseño en la Universidad de Pennsylvannia. El estilo de Kahn, influenciado por las antiguas ruinas, tiende a la monumentalidad y al monolitismo, a la intemporalidad. Sus edificios no esconden su peso, sus materiales o su forma de construirse.

Kahn nació en la isla estonia de Saaremaa el 20 de febrero 1901 en el seno de una humilde familía judía. Cuatro años más tarde su familia emigró a los Estados Unidos, temiendo que su padre fuera reclutado por el ejército durante la Guerra ruso-japonesa. Louis Kahn se crió en Filadelfia y adquirió la nacionalidad norteamericana el 15 de mayo de 1914.

Fue educado en una rigurosa tradición Beaux-Arts, con su énfasis en el dibujo, en la Universidad de Pennsylvania. Después de graduarse en 1924, Kahn viajó por Europa y se instaló en la ciudad medieval amurallada de Carcassonne, en lugar de quedarse en las cunas del clasicismo o del modernismo. En 1925–1926 Kahn fue diseñador jefe de la Exposición del sesquicentenario. A partir de 1947 enseñó durante una década en la Universidad de Yale, en la que gozó de una gran influencia. Posteriormente se trasladó a la Universidad de Pennsylvania. Entre sus alumnos se encuentran Moshe Safdie y Robert Venturi.

Murió el 17 de marzo de 1974 de un ataque al corazón en los servicios de la estación de Pennsylvania de Nueva York. Acababa de regresar de un viaje de trabajo en la India.

Kahn siempre se involucró profundamente en todos sus trabajos. Reinterpretó el estilo internacional de forma poco convencional, inspirándose a menudo en la arquitectura antigua. Sus trabajos reflejan su interés por la luz y los materiales. Isamu Noguchi se refirió a él como "un filósofo entre arquitectos".
Kimbell Art Museum, Fort Worth, Texas (1966-72)

Kahn tuvo tres familias con tres mujeres diferentes: su esposa Esther, su compañera de trabajo Anne Tyng, y con Harriet Pattison. Su hijo con esta última, Nathaniel Kahn, retrató la vida del arquitecto en un documental titulado "Mi arquitecto: el viaje de un hijo", que fue nominado al Oscar en 2003. En él participaron renombrados arquitectos como B.V.Doshi, Frank Gehry, Philip Johnson, I. M. Pei, y Robert Stern, pero también muestra sus complejas relaciones familiares, así como las inusuales circunstancias de su muerte.

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Villa Mairea

A lo largo de su carrera, Aalto fue siempre presentado internacionalmente como el "humanizador" y "naturalizador" de una arquitectura moderna fria y excesivamente racional, y las consecuencias radicales de su enfoque pictórico de las formas arquitectónicas sin embargo pasaron en gran parte inadvertidas. Aalto pintó durante toda su vida viendo esto como un útil "ejercicio estético" y aprendió más que ningún otro arquitecto de las tecnicas de collage inventadas por Braque y Picasso en 1912. Estás técnicas, escondidas en todo su trabajo de Paimio en adelante, se convirtieron en dominantes en el diseño de Villa Mairea (1937-40), encargada por los ricos industriales Harry y Maire Gullichsen. Bien pudo haber sido el estímulo recibido de Maire lo que dirigió a Aalto en esta dirección. Ella había estudiado pintura en el Paris de los años 20 y poseía una de las mayores colecciones privadas de arte moderno de Finlandia. La técnica del collage hizo posible que Aalto pudiera satisfacer brillantemente el deseo de sus clientes de una casa que fuera moderna e inconfundiblemente finlandesa.

Sin lugar a dudas se trata de una obra moderna, y se encuentra a su vez en consonancia con el paisaje y cultura de las cuales es parte y sucesivamente ayuda a redefinir. La Villa Mairea continua siendo uno de los más grandes logros artísticos del siglo.

Concepto
El resultado fue una composición asombrosa y sin precedentes en la cual columnas de líneas elegantes chocan con la presencia de toscas escaleras de piedra, donde techos de hierba descansan en vigas de hormigón, troncos desnudos flotan sobre esbeltos postes de acero y tejas arregladas de manera paralela se alzan detras de un revestimiento de teca.

En arquitectura nunca se había visto algo parecido y en manos inexpertas podía haber caído en un eclecticismo superficial. Como en un collage pictórico, cada elemento genera asociaciones del mundo real en la atmósfera de trabajo y la casa evoca recuerdos de granjas finlandesas, de iglesias medievales, arquitectura funcionalista, Hollywood (la sauna tiene una piscina en forma de alubia, simpáticamente californiana) y del periodo Edo japonés. Los acabados naturales que desde los años 50 se ven como prototipo de lo escandinavo fueron recibidos en Finlandia en los años 30 como algo inequívocamente japonés.


El Interior
La innovación más radical de todas se produce en el interior, que Aalto visualiza como una abstracción del bosque finlandés. Columnas de acero negro envueltas en rattán para recordar la corteza pelada y el centro dorado de los pinos. Otros están revestidos con tiras de abedul, dobladas y triplicadas para sugerir la variedad de la naturaleza. Las columnas son postes de madera que amparan la escalera y entrada y cuando se pasa a su lado es como si se estuviera rodeado de árboles. Aalto decía que quería "evitar los ritmos arquitectónicos artificiales en la arquitectura", y este extraordinario interior tan acogedor y habitable, al mismo tiempo que tan rico en implicaciones, cuestionó la necesidad de una "estructura clara" como postulaba Mies van der Rohe como basis del "proyecto libre", y mostró cómo los continuos "espacios amplios y sueltos" de la arquitectura moderna podían ser transformados en multiples espacios variados.



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sábado, 4 de julio de 2009

Douglas House

La casa Douglas es el punto cúlmine del primer período de la obra de Meier, donde todas las ideas desarrolladas en las experiencias en viviendas unifamiliares se plasmaron de forma más equilibrada e imaginativa. Si bien se construyó ya entrados en los 70, se transformó en un símbolo de aquel período del racionalismo. Está ubicada en una ladera boscosa en pendiente. La construcción se inserta en el paisaje natural concebida como un objeto artificial.


Concepto
La intención es crear un fuerte contraste visual en el paisaje. El volumen es un prisma blanco que emerge entre la arboleda. La cara posterior esta tratada como una fachada cerrada con pequeñas aberturas mientras que la cara delantera es una fachada abierta con grandes paños vidriados ofreciendo amplias vistas al horizonte.

La forma y la disposición de las perforaciones del prisma guardan una estricta correspondencia con lo que ocurre en el interior de la casa.


Espacios
En esta vivienda Meier propone composiciones formales de gran riqueza espacial. Utilizó una organización interna donde el acceso se produce por el sector más densamente construido para abrirse a un amplio espacio rodeado por vidrio. Esta organización le permitió desarrollar varios temas: el paso de la oscuridad a la luz, el cambio de escala del espacio, y desarrollar accesos a través de rampas, puentes y escaleras. La estructura de hormigón armado, le permite hacer las sustracciones deseadas en el volumen, manteniendo la estructura independiente del cerramiento. Los materiales utilizados son el hormigón armado y el vidrio.





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Koshino House

"La vivienda, realizada por Tadao Ando para el diseñador Koshino, es un auténtico laberinto de luces y sombras. Al igual que Barragán, el arquitecto busca conciliar los postulados del modernismo internacional con la tradición y el paisaje, en este caso, japonés. Así, la Casa Koshino es un ejemplo de arquitectura contemporánea construida en dos pabellones paralelos que apenas interrumpen el paisaje."El uso del hormigón, la sencillez y el tratamiento de la luz, rasgos característicos de la arquitectura del japonés.

La casa Koshino se encuentra ubicada en Ashiya, una pequeña ciudad situada entre Osaka y Kobe dos grandes núcleos urbanos en Japón. Está construida en una zona residencial, suburbana, en las alturas de la ciudad. Emplazada en la ladera de una montaña densamente arbolada, la Casa Koshino está empotrada en el terreno, cuya configuración irregular contrasta vigorosamente con la nitidez de las formas geométricas de la edificación. El efecto que se logra, mediante una fuerte pendiente, es que el visitante entra por arriba y antes de entrar puede ver a sus pies el tejado de la casa.

Concepto
La casa se organiza en dos cuerpos paralelos, unidos por un pasillo subterráneo, que definen un patio central. El cuerpo más corto contiene una sala de estar de doble altura, mientras que el ala más larga alberga una serie de dormitorios. El estudio en forma de media luna, adyacente a la sala de estar, fue añadido posteriormente, en acusado contraste compositivo con los cuerpos preexistentes.
Espacios
La casa se divide en tres claros volúmenes; uno dedicado al programa de la vivienda, otro dedicado al estudio y un tercero dedicado a acoger estancias para invitados. En el bloque central dedicado a la vivienda la entrada se realiza por una zona con forjados a una alutra para desde aquí pasar a la sala de estar con doble altura. Las dos grandes aberturas de la sala ofrecen vista a las vertientes abruptas, los árboles y las colinas en la distancia. En un ala paralela al edifico, conectado a través de un corredor de casi subterráneo, se colocan una série de habitaciones una a continuación de la otra y con acceso desde un pasillo frontal común donde los dueños de la casas pueden acoger a un gran número de invitados ofreciendoles practicamente los servicios que ofrecería un hotel. En 1983 se le pidió Ando añadir un estudio. La adición es bloque más enterrado en el terreno de los tres. El muro de contención cuenta forma de la circunferencia de la planta. Toda la casa está estructurada como un jardín japonés en torno a una serie de antecedentes escénico, diseñado para impulsar la toma de conciencia de la naturaleza. Aunque esta casa está a menudo vinculada a minimalismo puede ser mejor entendido en el contexto de las formas arquetipo de los templos scintoisti y estética reducido por el Budismo Zen.


Materiales
Otro factor a destacar es que no hay elementos decorativos. Es justamente la luz la que pone de relieve la textura del hormigón y ambos elementos, aunados, funcionan como única ornamentación.

Hormigón liso
Todos los muros están hechos en éste material a la vista y se encuentran libres de ornamentación y al natural. Tadao utiliza éste material debido a que es una forma de admitir la luz y el viento dentro de las paredes y crear una sensación de serenidad y espacios muy abiertos. Otra razón por la cual utiliza éste material es debido a la Industrialización y a los medios tecnológicos a los cuales tiene acceso el arquitecto viviendo en un país tan desarrollado como Japón.

Vidrio
Utiliza mucho el vidrio para hacer grandes ventanales por toda la casa. La razón de utilizar éste material es para dar paso a grandes cantidades de luz y ofrecer una visión del jardín.




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Moebius House

En 1993, una joven pareja encargó al arquitecto holandés Ben van Berkel diseñar "una casa que fuese reconocida como un proyecto de referencia en términos de renovación del lenguaje arquitectónico". Tras seis años de trabajo, el arquitecto dio respuesta a los deseos de los clientes con una casa que se basaba en los estudios de un matemático alemán del siglo XIX. Además de desear un nuevo lenguaje arquitectónico, los clientes también buscaban una relación íntima con la naturaleza, ya que sus dos profesiones diferentes les permitían trabajar en casa y poder pasar el tiempo junto a sus niños. El lugar elegido fue un hayal entre prados en Het Gooi, una zona residencial próxima a Ámsterdam.


Concepto
Ben van Berkel entendió que el nuevo lenguaje arquitectónico que le habían requerido debía ser una consecuencia directa del nuevo tipo de vida de sus clientes. La idea de dos personas circulando por sus propios recorridos pero compartiendo ciertos momentos, y posiblemente intercambiando sus papeles en determinados puntos, fue desarrollada hasta llegar a materializarse como objeto construido. La casa tenía que entrelazar los diversos estadios de las diferentes actividades de cada miembro de la familia en una misma estructura: trabajar, dormir, socializar, la vida familiar, y hasta incluso el tiempo de soledad que se necesita para uno mismo. Consecuentemente, la noción del tiempo y su duración fueron conceptos importantes desde un principio y que, más tarde, influirían en la forma relativa de percibir la casa y sus objetos desde diferentes puntos de vista. El esquema que recoge estos rasgos fue encontrado en la banda de Moebius, el diagrama estudiado por el astrólogo y matemático August Ferdinand Möbius (1790-1868). La banda Moebius es la figura de un 8 sin derecho ni revés y sin principio ni fin. Berkel proyectó a partir de la banda Moebius una casa que integra el programa, la circulación y la estructura, todo ello sin costuras. El movimiento a través de este bucle construido en hormigón traza todas las pautas de la actividad diaria.

Descripcion
La vivienda esta estructurada en tres niveles, con dos estudios en cada uno de los extremos de la casa para sus respectivas profesiones, tres dormitorios, una sala de reuniones, el estar, una cocina, un almacén, y un invernadero en la parte superior, todas estas dependencias se enlazan en la rutina del tiempo.

Las formas bajas y alargadas de la vivienda, que son consecuencia de estirar la estructura al máximo, además del uso masivo de cerramientos de vidrios, potencian los vínculos con el entorno. La casa adopta aspectos del paisaje y, desde el interior, los habitantes experimentan la idea de andar por el campo.

Las contorsiones y los giros en la casa van más allá del diagrama matemático. Corresponden al movimiento que modelado por un nuevo estilo de vida caracterizado por el uso de sistemas electrónicos en el trabajo. Ben van Berkel ha conseguido otorgar un significado adicional al diagrama de la banda Moebius, un nuevo valor simbólico que corresponde con los límites cada vez más borrosos entre la vivienda y el trabajo.



Materiales
La estructura de movimiento se traspone a la organización de los dos materiales principales empleados para la construcción de la casa; el cristal y el concreto se mueven el uno frente al otro e intercambian posiciones. La construcción en concreto se transforma en mobiliario y las fachadas de cristal se convierten en muros divisorios.


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viernes, 3 de julio de 2009

Glass House

La Casa de cristal es uno de los proyectos más importantes realizados por el arquitecto norteamericano Philip Johnson, pues con esta obra comenzó una relevante carrera como arquitecto y como promotor de los nuevos discursos arquitectónicos que han marcado e incluso modificado de manera significativa el entendimiento de la arquitectura del siglo XX. Philip Johnson, en un principio discípulo del arquitecto alemán Mies van der Rohe y posteriormente apóstata del mismo, comenzó a trabajar en 1949 en el proyecto de su propia casa en New Canaan, Connecticut, EUA. La Casa de cristal se ubica sobre un hermosísimo terreno en el que los árboles son la única barrera (que hace las veces de muro de colindancia) que puede detener la visión de los visitantes a través de los muros de cristal.


Concepto

En la casa de cristal se hace evidente uno de los principios arquitectónicos más importantes propuestos por Mies van der Rohe: “Less is more”, aquí son mínimos los materiales aplicados, la economía de elementos es muy clara y prácticamente se prescinde de cualquier tipo de ornamento.

El concepto básico de La casa de Cristal fue tomado de la casa Farnworth de Mies van der Rohe, aunque con diferencias como la simetría y el asiento firme sobre tierra. El espacio interior está dividido por gabinetes bajos y un cilindro de ladrillo que contiene el cuarto de baño. Mucho del mobiliario Bauhaus de Johnson permanece en la casa .

Simbolismo

La Casa de cristal marcó un punto importante en la búsqueda hacia la transparencia y la flexibilidad de la modernidad europea que sin lugar a dudas representa el extremo de la Desmaterialización de la arquitectura.



Descripción
La casa lleva la propuesta del prisma rodeado totalmente de vidrio a su síntesis extrema resolviendo los distintos ambientes y funciones de la vivienda como distintos sectores de equipamiento dentro de un único espacio, solo ritmado por la presencia del volumen del hogar y el cubículo en forma de medialuna del baño.

Materiales
La planta del edificio parte de un cubo cuyo contorno se forma solo gracias al fino trabajo de herrería de acero pintado de negro. El acero negro de los marcos y el cilindro de tabique rojo que contiene la chimenea y el baño, definen el volumen de esta obra y anclan la composición al piso, lo que provoca que el edificio se erija casi de manera natural sobre el terreno, lo cual lo distingue de los diseños de Mies van der Rohe, que generalmente -flotan- en el espacio.

Debido al techo opaco y a las paredes transparentes de la Casa de cristal, los visitantes tienen la maravillosa sensación de estar definitivamente debajo de un techo, pero nunca de encontrarse dentro de un edificio. La transparencia del material permite que el paisaje sea prácticamente el elemento que construye la imagen interior de la casa.






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